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收藏這份看展地圖,“浸入”3月上海藝術現場

March 15, 2018 文化專題, 歷史, 生活, 舞台, 藝術 在〈收藏這份看展地圖,“浸入”3月上海藝術現場〉中留言功能已關閉

artnet News China  2018年3月15日

繪畫是藝術的誠實;繪畫沒有作弊的可能。不是好,就是不好。——達利

美術館篇 

仲條正義:飲&嘔吐

當代藝術博物館設計中心psD

2018520

仲條正義,《Mother and Others》,海報,128 x 90 cm,2016

創新與靈感與年齡無關。秉承一貫輕鬆明快、新奇獨特的設計風格,85歲高齡的藝術家仲條正義再一次展現了其遊刃有餘地穿梭於圖形之間的創作活力。藝術家曾說過,“以80幾歲的年紀,很難做出也不太需要再那麼努力設計出什麼特別的東西,得過且過也可以。但是做到一半看著那些左右為難的半成品,還是過不起自己那道坎,態度轉變後靈感也重新回來,才設計出這些大家所見的‘奇怪’的東西。”

21世紀Rimpa海報大賽參展作品,2015 。圖片來自銀座圖形畫廊

作為日本平面設計時代神一般的存在,仲條帶來了1968年至2011年間為資生堂設計的200本《花椿》雜誌的個人珍藏版。半個世紀前的設計到今日也並未褪色,新的出色設計還在源源不斷不斷湧現,足以窺見這位“設計老頑童”不墨守成規的精神。

本次個展仲條對“媽媽”這一存在進行了難以琢磨又匪夷所思的二次解讀和創作。究竟奇怪是怎樣的一件事呢?不需要發問,去展覽現場思考就好。

群展:行將消退

上海外灘美術館2018527

波拉·彼薇,《你見過我嗎?》,泡沫、羽毛、塑膠、木材、鋼材,108 x 200 x 100 cm,2007

“行將消退”對“觀看”的方式和角度提出討論,邀請觀眾走入過去,探訪不熟悉的城市和地域,重新審視二十世紀末至今藝術家們如何透過創作來發問、剖析並拆解時代給予人類的種種難題,並在全球化的語境下提出對“殊異性”的思考。

查理斯·雷,《病毒研究》,玻璃、金屬、墨水,93 x 137.5 x 75 cm,1986

展覽試圖通過詩意的闡述,轉換對於有跡可循的認知結構的固有理解,向觀眾提供更開放和多元的解讀視角。扭轉一個視角,就會得到不同的解答。所見是否真的即所得。

查理斯·雷,《病毒研究》,玻璃、金屬、墨水,93 x 137.5 x 75 cm,1986

展覽呈現來自各大洲23位藝術家的29件作品。如策展人謝豐嶸所言:“借由作品的藝術陳述與圖像為批判性思考的工具,帶領觀者走入陌生的景觀並與之對話,在知與未知的模糊邊界試圖重建想像的國度。”

黑川良一:反向折疊

上海民生現代美術館 | 2018615

裝置作品《反向折疊》

黑川良一的美學觀自由切換在抽象與具象之間,作品主要由幾大元素綜合構成:幾何形狀、圖元、印象派的色調、風景剪影、以及大自然間存在的常見的聽覺元素。黑川的關注點集中在對事物的演化和解說之中,時而突進、時而漸進,將常規的認識二次處理來引領觀者回歸到認知事物的原點。

裝置作品《反向折疊》

受天體物理學領域最新研究發現的啟示,黑川創作了全新的感官浸沒式的裝置作品《反向折疊》,與其自2003年起開始專注的數碼藝術作品雷同,以全息式多屏視聽系統給觀者豐富的感官體驗。

這件新作,將星辰以及星系的形成和演化等相關現象轉譯成了聲音、圖像及振頻,努力表現核聚變並描繪不同星系撞擊後重組成新恒星的過程。

貝蒂·伍德曼:宇宙

趙洋:阿賴耶

上海chiK11美術館 | 2018617

圖注:趙洋,《美人魚之家(系列F)》, 2011,150×200cm,布面油畫

這是美國著名藝術家貝蒂·伍德曼(Betty Woodman)在亞洲的首場個展。藝術家通常以陶土為媒材,將不同時代、文化、地域和媒材結合一體。在她的手中,陶器不再是日常器物。你可以從中看到克裡特、埃及、希臘和伊特魯裡亞的傳統,也可以一窺巴羅克建築、畢卡索和馬蒂斯的繪畫,甚至有中國唐三彩和日本和服的影子。

貝蒂·伍德曼(Betty Woodman), 《Paola’s Room(diptych)》, 237.5×440.1×29.8cm,2011

本次也是中國藝術家趙洋首次美術館個展,“阿賴耶”在梵文中原意為“藏”。藝術家在創作中,不斷對自己發問“從哪裡來”與“到哪裡去”等哲學命題。趙洋沉迷於身體的符號學,他熟練地在繪畫平面上築造身體的界限,通過折疊與對稱等構圖,展示身體界限之中的微小局部。近作展現出藝術家在繪畫中注入“凝固性”概念的嘗試。

藝術中心/畫廊篇

久門剛史:風

大田秀則畫廊 | 201856

久門剛史,《風》,木頭、玻璃、燈泡等,110 x 100 x 80 cm,2017。攝影:Takeru Koroda

端詳久門剛史的作品時,時間總是靜止的,內心是無比平靜的。末了,在慨歎時光流逝匆匆的同時又極容易陷入一種悵然若失的寂寥之中。未曾想過情感的抒發可以憑藉如此簡單的形式,這不禁讓人聯想到日本的“侘寂之美(Wabi-sabi)”,於粗糙、簡單、低調和親密間呈現自然的完整性。

久門剛史,《”量子化 #3″ ( 細節 )》, 聲音, 燈泡, 木頭, 亞克力, 鋁, 喬其紗等,尺寸可變,2015。攝影:Takeru Koroda

久門剛史一些作品的創作是基於他本人某段記憶的:祖母家的飯香、廚房作業的聲響、遠處的溪水流動、夏日不間斷的蟬鳴……但更多時候,他會將個人情愫暫且擱置一旁,滿心期待觀者能夠通過自己的作品產生截然不同的回憶。

本次個展“風”將在畫廊空間內重新裝置藝術家在亞洲回廊現代美術展展出的同名裝置作品。對於“風”,久門並沒有給出明確的定義和解釋,但借由作品,他希望喚起人們的某種情懷和記憶,並以此觸動內心那柔軟而不易發掘的世界。

傑思敏·莉特&傑·柯彼:水與土

杜夢堂畫廊 | 2018414

傑思敏·莉特,《無題》,紙上水彩,30 x 30 cm,2017

水與土既是陶瓷創作的重要元素,缺一不可;也是藝術家發揮所長的藝術語言和靈感來源。本次以雙個展形式呈現美國當代藝術家傑思敏·莉特(Jasmine Little)和傑·柯彼(Jay Kvapil)的包括逾22件/組陶瓷裝置及近10件繪畫在內的藝術作品。

傑·柯彼,《卵圓形大碗》,陶瓷、火山釉,33 x 62.6 cm,2017

兩位藝術家的相同之處在於以將陶瓷作為女性身體的延展來實現對材料本身的探索,多維度挖掘陶瓷藝術的價值。從釉的燒制層次和繪畫顏料的疊加方式上,藝術家們又分別顯示出了與眾不同的風格。

但是,無論是只強調功能性、只強調美學、還是二者兼備,陶瓷藝術的創作與人的成長都有著異曲同工、可圈可點之處。水有三種形態,土為萬物之本,人又是世間存在的最有靈性的物種之一。本次展覽對三者都進行了新的詮釋。

閱讀原文:http://bit.ly/2FXZyPH

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